RAUL SOLDI - ARGENTINO

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Pintor argentino, representante destacado de la corriente expresionista en su país. Inició sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, y prosiguió en la Real Academia de Berra (Italia). Obtuvo, entre otros galardones, el primer premio en el Salón Nacional (1947) y el premio Palanza por la Academia Nacional de Bellas Artes. Está representado en los principales museos del mundo, como el Museo de Artes Moderno de Nueva York (MOMA), Florencia y Milán. Amante del teatro y sus luces escénicas, creó la llamada galería de figuras Soldinas, caracterizadas por su fisonomía melancólica. Entre sus obras se destacan Los frescos de la cúpula del Teatro Colón (Buenos Aires), La Vírgen y el niño (Museo del Vaticano), el biombo Los músicos (1956), el retablo de la Catedral Santa Florentina de Campana, etc.

nacido en Buenos Aires el 27 de Marzo de 1905, Argentina. Inicio sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes y en 1921 viajo a Europa. Estuvo en Alemania hasta 1923, en que se traslado a Italia, ingresando en la Real Academia de Brera (Milan) donde permanecio hasta 1932. Se vinculo en esa ciudad al grupo de artistas de vanguardia congregado en torrno de la Galeria del Milione, junto a Manzu, Tornea, Birolli y Sassu. Regreso a la Argentina en 1933 y becado por la Comision Nacional de Cultura recorrio los Estados Unidos. Figuro en el Salon Nacional desde 1930 y en diversos salones provinciales, en la Exposicion Internacional de Paris (1937), en Nueva York (1941 y 1943), etc.

Efectuo numerosas exposiciones individuales en Buenos Aires a partir de 1934. Inquieto y andariego, ha efectuado varios viajes a Europa en distintas fechas. Es el pintor poeta de su generacion y a traves de su vida ha practicado una tematica de fantasia y de recuerdos, con tipicos personajes del circo y del teatro, en sus obras iniciales; abandono paulatinamente esa tematica y afronto posteriormente la composicion con tipos humanos, la naturaleza muerta, el paisaje y retrato. Un clima de sugestiva irrealidad caracteriza sus cuadros como consecuencia de una personalisima estilizacion de las formas y de la fisonomia no menos personal de sus gamas coloristicas, en extremo delicadas y finas, plenas de resonancias poeticas y esencias emotivas. Estas formas, ensambladas con el arabesco, los empastes firmes y los ritmos curvos, las transparencias de los tonos y el convocado clima metafisico, sostienen su pintura que sabe crear expectacion y misterio.

En 1953 realizo una serie de frescos de la iglesia de Santa Ana, en Glew, en los alrededores de Buenos Aires y en 1966 realizo la decoracion de la cupula del Teatro Colon de Buenos Aires, obra que pinto al oleo sobre tela que despues fue montada y adherida a la superficie interior de la cupula. Sus obras figuran en muchos museos, entre ellos, el de Arte Moderno de Nueva York y los de Florencia y Milan. Primer Premio en el Salon Nacional de 1947, en la Bienal de San Pablo (1958) y Mencion de Honor en la II Bienal de Mexico (1960). Premio Palanza otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes. Ilustro "Las chansons de Bilitis", de Pierre Louis, "20 poemas de amor", de Pablo Neruda, etc. En 1968 viajo a Israel para pintar en la basilica de la Anunciacion, en Nazarete, un mural inspirado en el milagro de la Virgen de Lujan.

En julio de 1987 su cuadro "La Virgen y el Niño" fue incorporado a la coleccion de arte sacro de los Museos del Vaticano en Roma. La obra habia sido obsequiada al Papa en ocasion de su visita a la Argentina en 1982. Esta fue la segunda de las obras de Soldi incorporada a la famosa coleccion de la Santa Sede.

El arte nunca progresa, evoluciona..RAUL SOLDI

Estas escuchando la vos del artista, de una entrevista pequeñita en su web oficial, realmente un grande. picamiel

DEMETRIO URRUCHUA- ARGENTINO

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DEMETRIO URRUCHUA, nació en Pehuajó, Provincia de Buenos Aires, el 19 de abril de 1902. Desde su niñez, exteriorizó su vocación por las artes plásticas, fue autodidacta. Con ese sueño emprendió su viaje a Buenos Aires, capital de la República Argentina.

Aparejada a esta vocación, tuvo otra también muy destacada, la de "conducir" a sus numerosos discípulos que frecuentaron su famoso taller de la calle Carlos Calvo 1770.

En ese taller, se forjaron grandes pintores, grabadores y dibujantes, ganadores muchos de ellos de importantes premios nacionales y extranjeros.

Concurrían también a su taller, famosas personalidades del quehacer cultural, entre otros, ERNESTO SABATO, el poeta LUIS FRANCO, su entrañable amigo LEONIDAS BARLETTA, LEON FELIPE etc. Fue un verdadero maestro, enemigo de la enseñanza académica de la pintura, solía manifestar "...que no se puede enseñar a sentir". Creía en la libertad del artista, de su libro MEMORIAS DE UN PINTOR se transcribe su pensamiento al respecto; decía el maestro: "...el arte es libertad y amor, ya que debe prevalecer el instinto. Pienso que únicamente el artista es el ser privilegiado que posee la virtud o el poder de hacernos vivir un hecho desconocido imponiéndole su sello para que viva eternamente.".

Fue un pintor social, su fuerza y su carácter los plasmó en su vasta obra, a través de un lenguaje franco, valiente, sin temores de ninguna naturaleza. Contradice su firme carácter, con la humildad que siempre caracterizó sus actos.

Todos aquellos que tuvieron el privilegio de escucharlo aunque sólo por una vez, atestiguan la honestidad y honradez de su conducta y de su pintura.

Fue fundador con otros grandes de la plástica nacional Argentina, del TALLER DEL ARTE MURAL juntamente con SPILIMBERGO, CASTAGNINO, BERNI y COLMEIRO.

Expuso por primera vez sus obras, en Amigos del Arte, allá por el año 1931, posteriormente casi la totalidad de las galerías de la Capital Federal y de algunas Provincias, expusieron sus obras. Representó a América Latina en el Salón "CIEN AÑOS DE PINTURA UNIVERSAL" realizado en la ciudad de Boston (EE.UU) en el año 1944. Sus cuadros se exhiben en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Galería DUE MONDI de Arte Internacional de Roma (Italia), en el Museo Municipal de Montevideo (Uruguay). También numerosas colecciones privadas, tienen el privilegio de contar con sus telas. En vida colaboró desinteresadamente con numerosas instituciones de bien público: hospitales, bibliotecas, museos.

Fue un destacado muralista, por suerte el país cuenta con un verdadero tesoro artístico, en el que participó con entusiasmo junto a sus amigos, "LA GALERIA PACIFICO", verdadera joya artística, no solo del país, sino de toda Latinoamérica, según opiniones de destacados críticos de arte. También se pueden admirar, los murales de la Galería San José de Flores, Sociedad Hebraica Argentina y en la ex Universidad de Mujeres de Montevideo.

El pintor ANTONIO BERNI al referirse a la Trayectoria del Realismo entre otras cosas escribió: "...Cuando un intelectual milita en una causa se sabrá si la defiende bien, si la muestra bien en su propia obra de trabajador de la cultura... URRUCHUA es de los que están con la causa de la paz y la DEMOCRACIA, sus ideas viven en sus cuadros, su pensamiento milita en cada una de sus pinceladas. A URRUCHUA nadie lo detiene en su viejo galpón de la calle Carlos Calvo...".

URRUCHUA utilizó la pintura como arma, para luchar contra la injusticia, contra todas las dictaduras y contra el horror de la guerra. Amó la vida e hizo un culto de la libertad y la democracia. Se refleja así su pensamiento en los temas: La Guerra Civil Española; el Gheto de Varsovia; Argelia Mártir; La Divina Comedia, el Infierno del Dante, el Juicio de Burgos.

La muerte, a la que nunca tuvo miedo, lo sorprendió un lluvioso 2 de octubre de 1978, a los 76 años de edad.

MUJERES EN PLURAL

De este modo tan singular como es el genero, la fundacion Madrid Mujeres en plural promete estar hasta el 2009-

Tan acostumbrados estamos a ver los cuerpos femeninos tanto en pintura como en fotografía, que no nos damos cuenta de la verdadera trascendencia de género que comporta. Desde Rubens a Helmut Newton, el ideal femenino ha sido, cómo no, un motivo más que explotado y explotado por los creadores. La Fundación Canal de Madrid presenta “Mujeres en plural”, que es una muestra internacional en la que sesenta fotógrafos de hasta 20 países de cuatro continentes (Europa, América, África y Asia) ofrecen un retrato más o menos genérico de la mujer del siglo XX. Inician la exposición dos imágenes de Edward Steichen, recientemente expuesto en Museo Reina Sofía,con su obra "Portrait Lady" y "The Long Cabin", las más antiguas que, fechadas en 1908 y 1912, muestran un tipo de mujer todavía decimonónica. Ocho años más tarde, la estadounidense Berenice Abbott retrataba a Dorothy Whitney (1920), una activista social que aparecía ante la cámara vestida con una corbata, "burlándose" de su rol de mujer, y sonriendo al objetivo mientras sujeta un cigarrillo con su mano derecha... Pero, hay que anotar que, de todos los rostros femeninos del XX el que más se repite en esta muestra es el de Marilyn, que aparece hasta en cuatro obras. El último en retratarla fue Bern Stern, seis semanas antes de que muriese a consecuencia de una sobredosis de barbitúricos. Hay más actrices en esta exposición, como Greta Garbo o Marlen Dietricht, entre otras. De algún modo, la muestra no sigue unos parámetros conceptuales rígidos en lo que al comisariado se refiere. Y es que la misma no obedece a criterios cronológicos ni pretende convertirse en una radiografía histórica ni antropológica, como señala la comisaria de la exposición, Lola Garrido. Dentro de ésta, encontramos a artistas que han hecho historia; muchos de ellos maestros del siglo XX, que aparecen en los manuales, lo cual, hace que se convierte en un caleidoscopio de la imagen femenina, y por ende, del ideal femenino, que no es lo mismo… Aquí están presentes los objetivos más avezados del género documental (Berenice Abbott, Bill Brandt, Boubat, Elliot Erwitt, Graciela Iturbide, Inge Morath, Man Ray, Rodchenko o Keïta Seydou), del fotoperiodismo (Cartier-Bresson, Dorothea Lange) y, sobre todo, de la fotografía de moda (Munkacsi, Lillian Bassman, Cecil Beaton, Gundlach, William Klein o Irving Penn) Precisamente la fotografía de moda, mayoritaria en la muestra, ha supuesto una impresionante fuente de información no sólo sobre la estética sino también sobre la evolución en el pensamiento y en las actitudes que hicieron posible el triunfo del cliché femenino. Junto a los grandes nombres de la fotografía artística del XX, la exposición ha reservado también un espacio para los “anónimos mínimos”: retratos de álbum de familia, datados entre principios y mitad de siglo, que capturan lo cotidiano y completan esa visión global con pequeñas historias de mujer en su ámbito más íntimo.

Que asi sea, y pasen muchas y muchos por ahi.

picamiel

ARTE MODERNO

Arte moderno es un término referido a la mayor parte de la producción artística desde finales del siglo XIX hasta aproximadamente los años 1970, por oposición al denominado arte academico, que representaría la tradicion; mientras que el arte moderno representaría la experimentacion. Producciones recientes son a menudo denominadas arte contemporaneo, aunque este término también se refiere al arte de la Edad Contemporanea (desde mediados del siglo XVII) . Hay que entender, por tanto, que el concepto de arte moderno no es cronológico, sino estético; de estilo , de sensibilidad o incluso de actitud: un pintor academicista comoWilliam Adolphe Bourguereau (muerto en 1905) no hace arte moderno, mientras que Vincent van gogh (muerto en 1890) indudablemente sí.

El arte moderno representa como innovación frente a la tradición artística del arte occidental una nueva forma de entender la estetica , la teoria y la funcion del arte , en que el valor dominante (en pintura o escultura ) ya no es la imitacion de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografia había hecho esta función artística obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas.